Alvar Aalto

Hugo Henrik Alvar Aalto ( Kuortane, 3 de febrero de 1898 - Helsinki ,11 de mayo de 1976) fue un arquitecto y diseñador de muebles finlandés.

El objeto escogido es la Chaise Lounge 43 para Artek, en la cual se sintetízan perfectamente las características de diseño seguidas por Alvar Aalto. Comenzando con los materiales, los autores del movimiento escandinavo moderno, entre los que se encuentra Aalto, mostraban un gran compromiso y respeto por los materiales naturales, cómo la madera- sobre todo, haya, abedul (material que forma la estuctura de esta silla) y teca- y el cuero, también utilizado en este diseño. En cuanto a las formas, se centraban en el uso de líneas simples y escultóricas, como las que conforman esta chaise lounge.

Hemos decidido integrar el objeto expuesto anteriormente en uno de los edificios diseñados por el mismo autor. Se trata de la Baker House situada Cambridgeport, Middlesex County (EE.UU). Aalto buscaba en todo momento diseñar un mobiliario adecuado que encajase perfectamente con los edificios en los que se iba a situar, de hecho, solía compaginar la creación de ambas obras para no perder de vista la producción de ninguna de las dos. A pesar de que el dormitorio principal de la Baker House no incluía la chaise lounge, la hemos elegido por la clara similitud en la forma de ambos diseños ya que comparten las mismas líneas definitorias.

A pesar de que ambas obras tienen sentido por sí mismas, juntas cobran una importancia mayor. El hecho de que mobiliario y edificio sigan unas misma línea les hace formar parte de un todo. Aunque no por ello, la una sin la otra puedan tener una explicación coherente.

La necesidad de integrar los objetos de mobiliario en un contexto concreto tiene para nosotras una importancia relativa. Por un lado podemos utilizar unos diseños acordes con el entorno en que los vamos a situar para crear así una sensación de armonía, para que el observador intuya que han sido diseñados para estar juntos; o por el contrario, introducir elementos completamente diferentes, para conseguir un contraste visual y rompedor, pero siempre dentro de unos límites que no le hagan perder su sentido inical.

Cómo ejemplo de desajuste sabíamos de la existencia de este en concreto en Riga, capital de Letonia. Hemos estado buscando una imagen que mostrase claramente el contraste que presenta este caso, y tras una larga tarea de investigación, la mejor foto que hemos encontrado ha sido la que se muestra. Podíamos haber escogido otro ejemplo que tuviese una mejor imagen representativa, pero no quisimos dejar de lado este ejemplo, ya que nos parecía demasiado interesante como para obviarlo. La construcción de la que hablamos es el Reval Hotel Latvija, un edificio contemporáneo, rodeado de construcciones modernistas. Además del contraste con las edificaciones del entorno, lo que más nos llama la atención es la localización de este hotel justo al lado de la Catedral ortodoxa; un templo soviético de finales del siglo XIX.

Walter Gropius y la Bauhaus

Walter Adolph Georg Gropius (18/5/1883- 5/7/1969)

Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, escuela de arte fundada con la idea de formar artistas para la producción industrial.

Gropius nació en Berlín el 18 de mayo de 1883 y estudió arquitectura en las universidades de Munich y Berlín-Carlottenburg. En 1911 se unió al Deutscher Werkbund, institución creada para coordinar el trabajo de los diseñadores con la producción industrial.

Después de la I Guerra Mundial dirigió dos escuelas de arte en Weimar, hasta que las transformó, en 1919, en la nueva Staatliches Bauhaus, donde introdujo una pedagogía que aunaba el estudio del arte con el de la tecnología. Los estudiantes aprendían a través de distintos talleres las habilidades básicas de los principales oficios, y así se familiarizaban con los materiales y los procesos industriales. Este método hizo posible un gran acercamiento a la realidad de la producción en serie y revolucionó el mundo del diseño industrial moderno. Cuando la escuela se trasladó a Dessau, Gropius proyectó los edificios que la acogerían, caracterizados por una exquisita simplicidad formal y por el empleo de grandes superficies de vidrio plano.

Gropius abandonó su cargo como director de la Bauhaus en 1928 y continuó su carrera como arquitecto. Su oposición al partido nazi le obligó a abandonar Alemania en 1934, y después de pasar varios años en Gran Bretaña emigró a Estados Unidos para dar clases en la Universidad de Harvard. En 1946 creó un grupo llamado Architects Collaborative, que se hizo cargo de muchos proyectos de gran envergadura, como el Harvard Graduate Center (1949), la embajada de Estados Unidos en Atenas (1960) o la Universidad de Bagdad (1961).

Sus principales hipótesis formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela. Uno de los principios establecidos desde su fundación se resume en la siguiente frase: " La forma sigue a la función".

La Bauhaus trataba de diseñar objetos útiles, bonitos y baratos, en contraposición a otros movimientos que se centraban más en la ornamentación que en la funcionalidad. Para crear un objeto o edificio debemos tener en cuenta primero el uso que de él vamos a hacer y al conocerlo podremos, más fácilmente, llegar a realizar diseños exitosos. Por esta razón los maestros de esta escuela se centraban en utilizar formas y colores básicos para sus obras, y dotarlas de una aparente sencillez comprensible por todo el público.

Buscaban huir de la producción exclusiva de sus diseños, optando por la fabricación en serie, lo cual abarataba costes y permitía una accesibilidad mayor a la adquisición de estos, sin limitar la posesión de sus obras a las altas clases sociales.

Durante la historia del diseño, nos encontramos con diversos movimientos afines a las ideas de la Bauhaus. Por ejemplo en otro movimiento iniciado el siglo anterior conocido cómo movimiento moderno, para el que la idea de que el diseño podía utilizarse como instrumento democratizador para elaborar el cambio social tuvo un impacto fundamental. En él el exceso de decoración se vinculó a la degradación de la sociedad, y se realzaron las virtudes de los diseños racionales y sencillos de cara a la producción industrial.

Ya en la misma época que la Bauhaus (1917) el hecho de favorecer un estilo lógico y simple que ponía énfasis en la construcción y la función, era buscado por el movimiento De Stijl.

Posteriormente el Constructivismo, iniciado en 1921 compartía con la Bauhaus la creencia de que el arte y el diseño deben supeditarse a la producción industrial, así cómo la idea de que el artista es una trabajador responsable de diseñar objetos nuevos y funcionales.

La imagen de la derecha se corresponde con la Estantería Lerberg, de venta en el IKEA. Hemos escogido este objeto porque creemos que sintetiza las principales ideas que hemos citado anteriormente. Tiene una función clara (el almacenaje), está compuesta por formas simples ,se fabrica en serie...La verdad es que personalmente, y tras analizar lo escrito en parrafos anteriores, hemos llegado a la conclusión de que el IKEA es un ejemplo actual de diseño vinculado a los principios enunciados por la Bauhaus.

Fuentes:

- http://es.wikipedia.org/wiki/Walter_Gropius
- http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus
- http://en.wikipedia.org/wiki/Bauhaus
- "El diseño en el tiempo. Movimientos y estilos del diseño contemporáneo". Lakshmi Bhaskaran. Ed. Blume.
- "Siglo XX Diseño". Catherine McDermott. Ed. Designmuseum.

Ideal de belleza para Frank Gehry

Frank Owen Gehry (Toronto, Canadá, 28 de Febrero de 1929)

Tras una semana de investigación a cerca de Jacques Derrida y su filosofía deconstructivista, el movimiento arquitectónico que comparte su nombre, y la persona de Frank Gehry, hemos llegado a una conclusión.

Cómo cualquier otro autor, Gehry, tiene su propio ideal de belleza y estética, analizando sus obras, podemos extraer los puntos en los que creemos, se basa para crear algo bello.

El primero de ellos es la búsqueda de movimiento: En todas sus obras podemos apreciar un marcado carácter dinámico, huyendo de los edificios concevidos como un bloque inerte y tratándolos como elementos aislados, que buscan tener un comportamiento propio más allá del mero cobijo del ser humano.

En segundo lugar huir de las líneas rectas: El movimiento arquitectónico del que participa el autor, desprecia las líneas rectas alegando que a penas existen en el universo. Trata de representar en sus obras elementos naturales. Esto se puede explicar con una frase suya : "Yo soy un organismo, así que no veo nada más lógico que trabajar con formas orgánicas".

Los materiales: Utiliza para sus obras materiales cotidianos que hasta la fecha habían estado destinados a otros usos, como el hierro o el que es su material estrella, el titanio.

Geometrías no euclídeas: Las creaciones del autor se contraponen a uno de los postulados de la geometría plana de Euclides que dice lo siguiente : "Son rectas paralelas las que estando en el mismo plano y siendo prolongadas indefinidamente en ambos sentidos, no se encuentran una a otra en ninguno de ellos".

El color: El autor da una gran importancia al uso del color en sus diseños, tratando de adaptarlos al entorno en que se sitúan. Como ejemplo de esto, vemos la predominancia del color morado en las bodegas de Elciego, tratando de representar el fruto de los viñedos que le rodean; o el museo Guggenheim de Bilbao, en el que el material refleja las aguas del río Nervión, para integrarlo así en el contexto en que se encuentra.

Finalizando ya con esta entrada, queremos explicar el por qué de la imagen que la ilustra. El título de la obra es "Calypso" y forma parte de una colección de esculturas de titanio fabricadas por el gabinete de diseño américano Wire works studio. El motivo de nuestra elección es que, tanto la forma y el color como el material, comparten claramente el ideal de belleza buscado por Gehry y nos recuerda a algunas de sus más impactantes obras.

Logo

Para inaugurar nuestro blog, queremos comenzar por explicar el concepto que con él queremos transmitir. Tratamos de que tanto la plantilla cómo el logo se integren perfectamente como un todo que defina lo que la estética significa para las autoras. La razón de utilizar esta plantilla es demostrar que las ideas nacen de los bocetos, los cuales no surgen de la nada, si no de sacar al exterior lo que habita nuestras mentes. Ya sea consciente o inconscientemente. Por ello concevimos nuestro blog, no cómo algo premeditado, si no cómo el resultado de dejar brotar nuestros pensamientos. En cuanto al logo, es el reflejo de lo citado anteriormente. Tras un periodo de bocetaje, fruto de la unión de nuestras ideas, llegamos a lo que ahora mismo podéis observar.

Los principios en los que nos hemos basado son los siguientes:

• El alcance de los objetivos: Partiendo de una pequeña idea, se pueden llegar a lograr grandes metas. El círculo aislado del elemento principal del logo, simboliza esa pequeña idea, que consigue abrirse paso a lo largo de un estrecho y duro camino, y se convierte en el gran objetivo, que sin darnos cuenta, teníamos en un principio.

• Formas simples: No es necesario complicar las cosas para hacerlas bellas. O en palabras de Ludwing Mies van der Rohe "Menos es más". Por ello, nuestro logo se compone de pocos elementos, formas básicas y colores neutros, con los que tratamos de transmitir simpleza al observador.
  

• Repetición: La repetición es el método más simple para el diseño. Este recurso suele aportar una inmediata sensación de armonía. El elemento circular de nuestro diseño, pretende evocar tal sensación.
  

• Contraste: Wucius Wong decía que "El contraste es sólo una clase de comparación, por la cual las diferencias se hacen claras". La similitud entre las formas de cada uno de los elementos del logo que presentamos, hacen más visibles sus disparidades. Ya sea en tamaño, forma o color, todos ellos tienen algo que los hace únicos, pero a la vez parte de un conjunto.

• Figura- fondo: Realmente el logo no tendría sentido sin el espacio en blanco en que se sitúa. La parte carente de dibujo cobra una gran relevancia, ya que, sin ella, el significado cambiaría completamente. Por ello, queremos plantearos una pregunta. ¿Qué produce realmente la sensación, los elementos o la ausencia de ellos?